iMaschine is now available in the App Store. There’s also a director’s cut of the video available here.

I was always interested in field recordings involving shifting. Not just recording a single place, but being in constant transition of surroundings. For example taking a train ride from A to B and recording my immidiate environment.

For playing back such a recording, there should be ways much more interesting than traditional linear timelines as known from regular audio players. As an experiment, I mapped the recording of a segment of my way to work on a Google Maps screenshot of that very area in Hamburg. I have drawn a black line along the rails from start to destination, and a red dot is moving along that path as the audio plays back. To make the connection between the audio material and the map really clear, I used a discrete train trip from “Dammtor”, with one stop at “Sternschanze”, going to “Holstenstrasse”. The stop is obvious, but there are also announcements in the train giving an additional hint.

This is just a simple and rough example, but I think it opens up a lot of creative possibilities to work with field recordings, or sound representation in general. I’m definitely going to incorporate such ideas into my future music releases. There’s already geotagged sound, but technology and platforms should be soon ready to let us create and (re)use even more advanced and sophisticated data somewhere between audio, time and location.

TV ON THE RADIO “Dear Science” (4AD)
Zwar erst wenige Wochen in Rotation, aber ich bin mir sicher, dass dieses Album auch weiterhin noch oft in den heiligen Hallen des precious headquarters erschallen wird. Denn immer wenn das erste Baba-ba-ba-ba von “Halfway Home” erklingt, füllt sich der Raum mit Seele. Album des Jahres von der interessantesten Rockband des Jahrzehnts. Punktabzüge gibt es nur bei der Typographie, die den Hörgenuß aber zum Glück nicht schmälert.
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LACK “Saturate Every Atom” (Play/Rec)
“It’s either the most sophisticated hardcore you have ever heard or the meanest indie rock.”, behauptet das Label vom dritten Album der dänischen Band Lack und besser könnte ich es auch nicht sagen. “Saturate Every Atom” strotzt vor Energie und eignet sich daher perfekt gegen morgendliche Müdigkeit, nachmittagliche Tiefs und abendliche Ermattung. 
Die unerhörte Verwechslung mit den kalifornischen Langweilern The Offspring haben wir Bürokollege Malin Mutall (Name geändert) mittlerweile fast verziehen.
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KANGDING RAY “Automne Fold” (raster-noton)
Wenn’s etwas ruhiger sein soll, ist Kangding Rays zweites Album die erste Wahl für die Bürobeschallung. “Automne Fold” ist aber keineswegs gefälliges Hintergrundrauschen und -klickern (auch wenn das durchaus funktioniert), sondern wächst mit der richtigen Lautstärke (laut!) zum Soundmonster mit schiebenden Tieftönen und dichten Klangstrukturen.
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CLARK “Body Riddle” (Warp)
Seit über zwei Jahren zeigt “Body Riddle” nicht die geringste Abnutzung und bringt uns immernoch regelmäßig in Verzückung, wenn es durch unsere Lautsprecher perlt und poltert. Mit den Sounds, Beats und Breaks die Chris Clark hier auf so verschwenderische Art einsetzt, hätten andere mindestens drei Longplayer produziert. Aber genau deswegen ist “Body Riddle” ja auch mindestens dreimal besser als fast alle anderen Alben dieses Genres.
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MONOCHROME “Caché” (Stickman)
Seit den frühen Tagen von Monochrome bzw. Downbreed hören wir mit Freude zu, wie die Band von Album zu Album besser wird. “Caché” ist die neuste Hit-Kollektion, die in einer besseren Welt im Radio rauf und runter gespielt werden würde. Solange das nicht passiert, läuft es eben bei uns im Büro auf Heavy Rotation.
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Taken from sonicyouth.com

I’m sure there will be a niche for physical music storage mediums for a couple of years to come, but the summer hit of 2015 will not be pressed on CDs and shipped all around the world.

Music is dematerilizing. And with the death of the Compact Disc, the packaging design will persish as well (it has been already suffering for almost two decades, when those tiny CDs replaced the 12 x 12 inch canvas of vinyl LPs).

Designing record sleeves is probably considered the most exciting and fun job among graphic designers. It has become an “art form” of its own. Lots of books about record sleeve design have been published. I’ve got about 10 of those and I like flicking through the pages full of beautiful photography, colourful illustrations and interesting typography. When I browse through my vinyl shelf, there are lots of records whose design I adore. But as much as I enjoy looking at an Autechre sleeve by tDR, I could do without. What I will miss in a world without CD/LP/DVDs isn’t so much the work of graphic designer or visual artists.

Taken from sonicyouth.com

Because what I love about record sleeves and booklets – more than just the design – is the documentary character of it. What I hold in my hand is preserved information. It’s a cultural document. It’s been printed at one point in history and it can’t be altered, it stays with me (and even future generations) and I can access it every time I want to.

Of course you can put the credits on a website, you can have your handwritten lyrics in a PDF and instead of etching a witty text into dead wax, you could use the comments field in the ID3 tags. You can also blog about the recording and post your pictures on flickr.

But will all of this still be available in 10 or 20 years? What happens if a musician decides to delete documents from his past? What if the band calls it quits and shuts down their website? And will there be any software in 2030 that reads PDF-files from 2008?

When thinking about the demise of physical recordings, I don’t worry about the cover design. There will be new areas to create imagery for music. I’m more concerned about loosing information. Which is kind of paradoxal, because the digital world seems to be full of it.

Listening to “Times New Romance”, a song from the new excellent Monochrome album, I wondered if there are any other songs with typographical references. So I spent the last 7 or 8 minutes to do some extensive research on this topic. Here are the official Top 7 Typographic Songs:

1. “Times New Romance” by Monochrome
Hard to beat, the number one spot goes to the song that started my investigations. Monochrome have been one of mine and Christophe’s favourite German bands for over a decade. Although the song itself isn’t about the font or anything related, Monochrome have a strong tie to typography. Their artworks always feature carefully chosen and layouted typefaces. Buy their records and you will be rewarded with great music in beautiful packagings.

2. “GBI (German Bold Italic)” by Towa Tei feat. Kylie Minogue
“My name is German Bold Italic / I am a type face / Which you have never heard before / Which you have never seen before”. Right, never heard about this font before, but it probably looks like this.

3. “Boring Arial Layout” by Grace Period
Certainly not the best track on Grace Period’s album “Dynasty”, but good enough to make it to #3. The Boston based band has released on such great labels as Audio Dregs and Static Caravan.

4. “Typeface” by Discordance Axis
You might have some problems to understand the lyrics in this songs, but it certainly comes across that the guy is very angry.

5. “Times New Roman” by Applicants
Another song with reference to the typeface we use in our headlines. Applicants are – in their own words – “the most famous and best bloodbeat / pop and roll / electro / punk / indie / chiphop / 8-bit / smashTV / splattercore band of all time!”. Well…

6. “Comic Sans Dance” by Bold Faces
A goofy song about a goofy font. Bold Faces from Stockholm are graphic designers who spit out short punkrock songs about kerning, logotypes and file formats. All songs are available for free on their website.

7. “Die Neue Haas Grotesk” by The Slows
An instrumental, electronic track titled with the original name of the world’s most famous typeface: Helvetica.

Honorable mention: Sven Väth produced some tracks under the moniker “Akzidenz Grotesk”.

Do you know any other songs with references to fontfaces, typography or even graphic design in general?

The logical consequence of DIY could be establishing a product based on your own research and experimentation and making it accessible for the rest of the world. This is how the monome 40h, an “open instrument” from Philadelphia has come to life a while ago. Instead of protecting it with patents and hiding it behind marketing facades, all decisions and processes are documented and even constructional drawings are available to the public. As the past few years have proven, this is a great starting point for an ever growing community of musicians, designers and programmers.

The basic concept of the monome 40h is as simple as a 8×8 grid of backlit buttons. Did you first sketch and develop it on paper, as software or directly as a hardware prototype?

Upon creating my first performance sequencers with max/msp it became apparent that the amazing flexibility offered by this environment would always be limited by the means of getting data in and out of the system. In the most simple terms, i wanted to be able to click ten places simultaneously while finely adjusting other continuous parameters. Secondarily i wanted to avoid staring at a computer screen.

The absolutely most important element of these grid devices is that input (the keypads) and output (led feedback) are decoupled– the computer listens for keypresses and sends out led data. It allows for infinite adaptability and a very intuitive and responsive interface. This was immediately apparent the first time i got the prototype 16×16 working with mlr (an elaborate sample-cutting patch that displays playback position). A completely new level of performance and exploration became possible.

Brian Crabtree & Kelly Cain

I know you have very ethical motives in your business model‚ such as only using components from local suppliers etc. Does this mean a lot of extra time and effort for you and how does it behave in relation to your creative concepts?

We (Kelli and i) were reluctant to enter the world of business, which we perceived to be uncompromisingly driven by profit (for the most part we were not incorrect). The form that monome has taken is a direct reflection of our values: economic and ecological sustainability with an emphasis on supporting domestic production and labor.

Using local suppliers hasn’t been difficult for us. If anything it’s made communication easier and as a result we’ve managed to keep high quality standards in place. Transportation is faster and cheaper. We’ve been able to easily tour facilities and know first hand we’re not supporting questionable labor or environmental practices. While being potentially more expensive, we see the tradeoffs of cheaper parts made in mysterious ways in facilities unknown as both unacceptable and irresponsible.

The design and manufacturing decisions reflect our creative methods directly in that they highly emphasize process. the final product is only one element– the numerous small choices and extensive research along the way establish real knowledge. we are always learning.

This business model is still quite unique in the music gear industry. Do you believe it will become more popular among many other people starting their own little companies to develop special gear for special demands?

With regard to open source being adopted by large companies, i’d say that’s a virtual impossibility. If such a company designed an open-ended, user-modifiable product that was built well enough to last for decades, that company wouldn’t have repeat customers. They’d certainly have a loyal following, but there’s no money there.

I’m hoping that the approach monome has taken inspires more individuals to do the same. Sharing information and encouraging exploration has shown only positive results. The cultural reward makes up for the occasional financial strain. We stay small, live within our means, and try our best to spend money on things we actually support. (If only we could determine how our tax dollars were spent!)

Do you think conditions to create your own electronic music instrument, to maybe even start a small but effective enough business out of it, has changed/become better during the past couple of years? And how do you think things will move on within the next few years? How could these conditions be actively advanced?

Making anything in general is easier than ever. Sharing knowledge, methods, and skills has increased dramatically over the last few years. Making a business, i’d judge, is also easier as the internet allows collaboration and product exposure in ways previously impossible or prohibitively expensive. The means exist. People simply need a good idea and the ambition to see it through.

I’m uncertain where things will be in the next years. I’m definitely hoping that designers take matters into their own hands (start their own small companies) and avoid some of the ruining effects of big business’ inherent bureaucracy.

There are millions of electronic music controllers on the market. Regardless, many users seem to be unable to find a setup that is “just right” for them. Naturally, there’s no perfection, but do you think the model of developing modular open source software or hardware for yourself or for a constrained and specific target audience has the potential to become a serious counterbalance to the current industry? Or has it arrived there already?

Monome 40h – taken apart …

I believe it’s certainly already arrived, and has been around for some time. Those who seek customization eventually find solutions (undoubtedly after using tons of commercial equipment).

This is not a market that is easy to commodify or mass-produce, as once there are ten thousand of something, it surely loses its appeal. There are only so many fancy knob boxes you can truly get excited about. More and more people may find themselves delving to lower levels, learning basic electronics, microcontrollers, or some programming environment. These tools are not music industry specific of course.

With this trend should be considered two things: first, spending all of your time designing tools means you’re probably not making as much music or art; secondly there will always be a demand for specialized and inventive devices. Those who discover their inventive potential will hopefully supply inspirational tools to those who choose to keep their focus on music or art. DIY will never be all-encompassing, nor should it be. Many tools don’t need to be re-invented.

Have you ever thought about the possibility of some “big” manufacturer stealing your ideas, incorporating them into their own products and selling them with another name? Or did this even happen to you?

it seems remarkably unlikely as there’s not a profitable incentive. We believe the intellectual property system is broken. Our best protection is our openness. We’re also quite confident in the build quality of our devices.

Similar products on the market (and upcoming) we don’t see as being absolutely derivative, and they really missed the main point. It’s not just about blinky buttons.

How hard or easy do you think it is for technically unexperienced musicians to develop their own musical interface prototype (assumed they have ideas, obviously)?

You’re basically talking about crossing realms of knowledge. I’d imagine it’d be as difficult for an electrical engineer to write some music? There are so many tools and resources now for both writing music and making interfaces that neither is insurmountable.

That said, making something versus making something great are worlds apart and require serious dedication.

The fastest way to a “custom controller” is probably by using Doepfer Pocket Electronics Kit. uCApps is a complete open-source modular MIDI system and more.

There’s quite a vivid community around monome and everything is very well documented. You, as the “manufacturer”, provide all necessary plans, the logic board and many of the components needed to build your own monome-inspired piece of hardware. What was the most barefaced request that was posted towards you in that context? Could you please build a tilt sensor into my 40h for free?

A great majority of discussion has been very positive. The primary misunderstanding that we encounter is a tragic lack of perspective for how much a device cost to produce and how much personal time we invest in the process. Our market economy has conditioned us to expect low prices for everything, even when these low prices come at a high cost to the domestic labor force and increasingly high US trade deficit. We also are accustomed to things having short lifespans. We often don’t hold companies accountable when things break or when they’re made so cheaply – obviously engineered for obsolescence. Some barely flinch when buying the same object the second or third time around. (Some cell phones come to mind).

Monome is clearly trying not to follow these practices by choosing not to overproduce. We try to meet demand without over-saturating the market. Short runs make sense to us. Our designs will hopefully survive and retain value. All of the inner-workings are publicly available so that in the case of trouble you can fix it yourself or find someone with the right skills who can. It’s an infinite warranty of sorts.

monome 40h

I own a 40h and started using it for music production and live performances. Although it is in a way the most generic (or call it maybe “open”) piece of equipment I use, I can feel a noncomparable inheritance of “the monome idea” in every result. What do you think about that? Are many people telling you that?

I’m hoping “the monome idea” is that the device imposes no specific usage. There exists an unfortunate reality that buying a device is synonymous with buying a particular flourish or trick (like adding a lens flare in photoshop to your wildlife photo). “The monome idea”, i’m hoping, is the equivalent of exploring numerous possibilities while learning a bit more, adapting the device to your needs, and sharing your experience with others.

I’m certainly impressed with the monome user base and their continual support and invention. It keeps me very optimistic.

Did the monome concept in some way (re)(re)(re)refine your personal way to consider interface? Or your music production? Or your perception of music in general?

Absolutely. Now it’s time for us to start making art and music and film again. After we finish up the new series of devices, of course.

Eine logische Konsequenz von DIY kann sein, aus Ergebnissen des eigenen Forschens und Experimentierens ein Produkt zu etablieren und anderen zugänglich zu machen. Auf diese Weise entstand das erste von monome aus Philadelphia vermarktete “Open Instrument” mit dem Namen 40h. Anstatt das Produkt hinter einer Marketing-Fassade zu verstecken und mit Patenten zu schützen, wurden alle Entscheidungen und Entwicklungsprozesse transparent dokumentiert und Baupläne sowie Bauteile als Basis eigener (Weiter-)entwicklungen der Community zugänglich gemacht.

Das Konzept der monome 40h ist simpel: ein Raster von 8×8 beleuchteten Tastern. Habt ihr es zunächst auf dem Papier skizziert und entwickelt, oder als Software oder sofort als Hardware-Prototyp?

Als ich meine ersten Performance-Sequenzer mit max/msp entwickelte wurde deutlich, dass die erstaunliche Flexibilität dieser Umgebung immer begrenzt sein würde durch die Mittel, Daten in das System oder aus dem System heraus zu bekommen. Ganz einfach gesagt: ich wollte dazu fähig sein, 10 Stellen gleichzeitig zu klicken und währendessen stufenlose Parameter fein zu regeln. Desweiteren wollte ich vermeiden, auf einen Computer-Bildschirm zu starren.

Der absolut wichtigste Aspekt dieser Raster-basierten Geräte ist, daß der Input (die Taster) und der Output (das LED-Feedback) unabhängig voneinander sind. Der Computer reagiert auf Tastendruck und sendet LED-Daten. Es erlaubt eine unendliche Anpassbarkeit und ein sehr intuitives und reagierendes Interface. Dies zeigte sich sofort beim ersten 16×16-Prototypen in Kombination mit “mlr”, einer ausgeklügelten Sample-Cutting-Software, die die Abspielposition anzeigt. Eine völlig neue Ebene von Performance und Erkundung wurde möglich.

Brian Crabtree & Kelly Cain

Ich weiß, daß ihr sehr moralische Motive habt bei dem was ihr tut. So kommen soweit möglich z.B. nur Bauteile von lokalen Anbietern zum Einsatz. Bedeutet das sehr viel extra Zeiteinsatz und Mehraufwand für euch und wie verhält sich das in Relation zu euren kreativen Konzepten?

Wir waren abgeneigt, Teil der Geschäftswelt zu werden, die wir als kompromisslos Profit-getrieben wahrgenommen haben (in den meisten Bereichen hatten wir nicht unrecht). Die Form die monome angenommen hat ist ein direktes Spiegelbild unserer Werte: wirtschaftliche und ökologische Nachhaltigkeit mit Betonung auf der Unterstützung heimischer Produktion und Arbeitskräfte.

Es war nicht schwierig für uns, auf lokale Lieferanten zu setzen. Es hat eher die Kommunikation erleichtert und letztendlich ist es uns dadurch gelungen, hohe Qualitätsstandards zu bewahren. Transport ist schneller und günstiger. Wir konnten sehr bequem die Produktionsstätten besuchen und wussten aus erster Hand, daß wir keine fragwürdigen Methoden in Sachen Arbeitsumstände und Umwelt unterstützen. Es ist möglicherweise teurer, aber wir halten die Kompromisse, die man eingehen muß für billigere, auf mysteriöse Weise in unbekannten Einrichtungen hergestellte Bausteine, für inakzeptabel und unverantwortlich.

Die Entscheidungen in Sachen Design und Herstellung spiegeln unsere kreativen Methoden wider, indem sie sehr stark den Prozess betonen. Das Endprodukt ist nur ein Element. Die unzähligen kleinen Entscheidungen und ausführliche Recherche nebenbei schaffen wahres Wissen. Man lernt nie aus.

Euer Business-Modell ist recht einzigartig in der Landschaft der Musikgeräte-Hersteller. Glaubt ihr, euer Ansatz kann ein Vorbild werden für andere, ihre eigenen kleinen Unternehmen zu gründen, um spezielle Geräte für spezielle Anforderungen zu entwickeln?

Wir betrachten es als eigentlich unmöglich für große Firmen, das “Open Source”-Prinzip für sich zu übernehmen. Wenn solch eine Firma ein erweiterbares und vom Benutzer modifizierbares Produkt schaffen würde, das für eine Nutzung über mehrere Jahrzehnte ausgelegt ist, hätte sie keine wiederkehrenden Kunden. Sie hätten ganz bestimmt loyale Anhänger, aber damit verdient man kein Geld.

Ich hoffe, daß der von uns gewählte Ansatz mehr Personen dazu inspiriert, dasselbe zu tun. Das zur Verfügungstellen von Information und ermutigende Erforschung haben sich nur positiv ausgewirkt. Die kulturelle Belohnung gleicht die gelegentlichen finanziellen Lücken aus. Wir bleiben klein, leben mit unseren Mitteln und versuchen unser bestes, Geld für das auszugeben, was wir wirklich unterstützen wollen (wenn wir nur bestimmen könnten, was mit unseren Steuergeldern getan wird!).

Glaubt ihr die Bedingungen, sein eigenes elektronisches Musikinstrument zu entwickeln und daraus sogar ein kleines und ausreichend effektives Business zu etablieren, haben sich verändert bzw. verbessert im Laufe der vergangenen Jahre? Und wie denkt ihr, daß sich die Dinge in den nächsten Jahren entwickeln werden? Wie können diese Bedingungen aktiv verbessert werden?

Es ist generell einfacher geworden, etwas eigenes zu entwickeln. Die Verbreitung und der Austausch von Wissen, Methoden und Fähigkeiten hat in den vergangenen Jahren drastisch zugenommen. Ein eigenes Business zu starten ist meiner Ansicht nach auch einfacher, da das Internet sowohl Zusammenarbeit als auch Produktpräsentation in einer Weise ermöglicht, die früher undenkbar oder maßlos teuer gewesen wäre. Die Mittel existieren. Menschen brauchen nur eine gute Idee und den Ehrgeiz, sie durchzuziehen.

Ich bin unsicher, wohin sich die Dinge in den nächsten Jahren entwickeln werden. Ich hoffe sehr, daß Designer die Sache selbst in die Hand nehmen (also ihre eigenen kleinen Firmen gründen) und einige der zerstörerischen Effekte der Bürokratie vermeiden, die dem “Big Business” innewohnt.

Es gibt Millionen von Musik-Controllern auf dem Markt. Trotzdem scheinen zahlreiche Benutzer nicht in der Lage zu sein ein für sie funktionierendes Setup zu finden. Natürlich ist nichts perfekt, aber denkst du das Modell, modulare “Open Source” Software oder Hardware für sich selbst und für eine eingeschränkte, spezielle Zielgruppe zu entwickeln hat das Potential, ein ernstzunehmendes Gegengewicht zur bestehenden Industrie zu bilden? Oder ist es schon soweit?

Monome 40h – zerlegt …

Ich glaube es ist bestimmt schon seit einer ganzen Weile soweit. Diejenigen, die Maßanfertigung suchen, werden letztendlich Lösungen finden (zweifellos nach der Nutzung von Tonnen von kommerziellem Equipment).

Dies ist kein Markt, in dem es nicht leicht ist zu kommerzialisieren oder Massenproduktion zu betreiben, denn sobald es Zehntausende von etwas gibt, verliert es mit Sicherheit seinen Reiz. Es gibt mehr als genug fancy Kisten mit Drehreglern, die einen wirklich begeistern können. Immer mehr Leute werden sich wohl mit einer elementareren ebene beschäftigen und Basics der Elektrotechnik, Micro-Controllers oder eine Programmierumgebung lernen. Diese Werkzeuge sind natürlich nicht der Musikindustrie vorbehalten.

Bei diesem Trend sollten zwei Dinge betrachtet werden: 1. Wenn man all seine Zeit damit verbringt, eigene Tools zu entwickeln, wird man möglicherweise nicht soviel Musik oder Kunst produzieren; 2. es wird immer eine Nachfrage nach spezialisierten und originellen Instrumenten geben. Diejenigen, die ihr Erfinderpotenzial in sich entdecken, werden hoffentlich diejenigen mit inspirierenden Tools versorgen, die sich entschieden haben, ihren Fokus auf die Musik und Kunst zu richten. DIY wird nie allumfassend sein und sollte es auch nicht. Viele Tools müssen nicht neu erfunden werden.

Habt ihr einmal über die Möglichkeit nachgedacht, daß einer der “Großen” eure Ideen klaut, diese in eigene Produkte einfliessen lässt und unter anderem Namen verkauft? Oder ist euch das schon passiert?

Das scheint eher unwahrscheinlich, denn es ist nicht sehr profitversprechend. Wir glauben, daß das Urheberrecht-System beschädigt ist. Unser bester Schutz ist unsere Offenheit. Wir haben außerdem ein hohes Vertrauen in die Qualität der Ausführung unserer Geräte.

Ähnliche Produkte auf dem Markt (und noch kommende) betrachten wir nicht als absolut abgeleitet, und sie verfehlen wirklich das Wesentliche. Es geht nicht nur um blinkende Taster.

Wie schwierig oder einfach ist es eurer Meinung nach für technisch unerfahrene Musiker, ihren eigenen Prototypen eines Musik-Interfaces zu entwicklen (natürlich vorausgesetzt, sie haben eine Idee!)?

Du sprichst im Prinzip darüber, unterschiedliche Kenntnisbereiche zu kreuzen. Ich kann mir vorstellen, daß es für einen Elektroingenieur genauso schwierig wäre, Musik zu schreiben. Es gibt heute so viele Werkzeuge und Resourcen sowohl um Musik zu schreiben als auch um Interfaces zu bauen, daß keines von beidem unüberwindbar ist. Abgesehen davon, zwischen “etwas machen” und “etwas großartiges machen” liegen Welten, mit denen man sich ernsthaft beschäftigen sollte.

Der schnellste Weg zu einem “selbstgebastelten” Controller ist wahrscheinlich das Doepfer Pocket Electronics Kit. uCApps ist ein umfangreiches modulares MIDI system (und mehr) auf Open-Source-Basis.

Es existiert eine sehr lebendige Community rund um monome und alles ist sehr gut dokumentiert. Ihr, als der Hersteller, stellt alle notwendigen Baupläne, die Steuer-Platine und einige der notwendigen Komponenten zur Verfügung die man benötigt, um seine eigene monome-inspirierte Hardware zu bauen. Was war die unverschämteste Anfrage, die in diesem Kontext an euch gerichtet wurde? Könnt ihr mir bitte kostenlos einen Bewegungs-Sensor in meine monome 40h einbauen?

Der Großteil der Diskussionen war bisher sehr positiv. Das Hauptmissverständnis dem wir begegnen ist ein deutlicher Mangel an Einsicht dafür, was die Herstellung eines Geräts kostet und wieviel persönliche Zeit wir in den Prozess investieren. Unsere Marktwirtschaft hat dazu geführt, dass wir für alles billige Preise erwarten, selbst wenn diese der heimischen Arbeitskraft teuer zu stehen kommen und zum steigenden US-Handelsdefizit beiträgt. Wir haben uns an Dinge mit kurzer Lebensdauer gewöhnt. Wir weisen oft nicht den Unternehmen die Verantwortung zu, wenn Dinge kaputtgehen oder wenn sie so billig hergestellt sind – offensichtlich entwickelt zur Veralterung. Manche schrecken kaum davor zurück, wenn sie dasselbe Produkt zum zweiten oder dritten Mal kaufen (einige Mobiltelefone kommen einem in den Sinn).

Wir versuchen eindeutig, diese Praktiken zu vermeiden indem wir nicht überproduzieren. Wir versuchen die Nachfrage zu befriedigen, ohne den Markt zu übersättigen. Kurze Wege ergeben Sinn für uns. Unsere Designs werden hoffentlich überleben und Wert bewahren. Alle Bestandteile sind öffentlich erhältlich, sodaß man im Schadensfall selbst reparieren kann oder jemanden finden kann, der die Fähigkeiten dazu hat. Es ist eine Art von unbegrenzter Garantie.

monome 40h

Ich besitze eine monome 40h und habe damit begonnen, sie für Musikproduktion und Live-Auftritte einzusetzen. Obwohl sie eigentlich der generischste Hardware (oder nenne es “offen”) ist die ich benutze, kann ich eine gewisse Präsenz der “monome Idee” in allen Ergebnissen spüren. Was denkt ihr darüber? Erzählen euch das viele?

Ich hoffe die “monome Idee” ist, daß das Gerät keinen spezifischen Einsatz aufdrängt. Es gibt den unglücklichen Umstand, daß ein Gerät zu kaufen bedeutet, synonym dafür ist, ein bestimmtes Erfolgerlebnis oder einen bestimmten Trick zu erstehen (wie das Hinzufügen eines Blendeneffekts mit Photoshop). Die “monome idea”, das hoffe ich, ist gleichbedeutend mit der Erforschung unzähliger Möglichkeiten, gleichzeitig dazuzulernen, das Gerät seinen Bedürfnissen anzupassen und Erfahrungen mit anderen auszutauschen.

Ich bin zweifellos beeindruckt von der monome-Nutzerschaft und deren fortwährende Unterstützung und Fantasie. Das stimmt mich sehr optimistisch.

Hat das monome-Konzept in irgendeiner Weise euer eigenes Verständnis von Interface verfeinert? Oder eure Musikproduktion? Oder eure grundsätzliche Wahrnehmung von Musik?

Absolut. Jetzt ist es an der Zeit für uns, uns wieder mehr mit Musik, Kunst und Film zu beschäftigen. Nachdem wir mit unserer neuen Serie fertig sind natürlich.