Some time ago, we wrote an article about observations and trends in the field of media consumption behaviours, innovative news interfaces and fresh approaches to journalistic storytelling for german magazine Weave (also available online, in German).

In this context we had the honor to talk to Mario Garcia (@TweetsByDesign), one of the world’s most renowned newspaper designers. At the time of this email conversation, the iPad was still in the state of speculation. When the article was published, it had been announced by Apple, but was not yet on the market. Contagioned by the hype, designing for touchscreen devices was a key topic in our article.

Since then, a lot of publications have found their way to the iPad, exploration and experimentation around new digital publishing models and formats are in full action. Most of the large publishing houses worldwide have released their own news and magazine apps (or optimized their websites for the device?). Mr. Garcia now has a dedicated section around the iPad on his blog and is a keynote speaker for The WoodWing World Tour, a conference about publishing for the iPad touring the world.

Mario Garcia

Here’s the email conversation we had towards the end of 2009:

There’s a lot of buzz and speculation about “the future of Journalism”. In your opinion, what are the most important tasks and challenges going to be in the next few years?

There is a future of journalism, no doubt. But it will be a journalism radically changed from what we are accustomed to. Storytelling will be at the center of it, but the stories will adapt to the platforms in which they appear. Print will not be king, but will play a role. I think that one cannot separate a discussion of the future of journalism from business models that will make journalism affordable by the companies that produce it. I believe there will be dramatic changes in the business models. Good journalism is expensive to produce, so we will have to adapt, and make radical shifts to accommodate it.

What role is “the packaging of news”, the design of and for newspapers and media in general going to play in this context?

Extremely important, but I see design embracing also information architecture. It is not so much that we will make a product look better through color, design, typography, but that we will actually use what we know about how people read stories, how they follow content, to create much better organization of content in whatever media. Design and packaging are important, but the way content is planned and presented will be key.

There’s this notion of “paperless paper”, where the appearance of paper-based newspapers and magazines could be pretty much literally recycled for high resolution tablet computers. If this has a near future, how is a more print oriented graphic design going to converge with layers of interactivity (eg. conversation)?

As I said in the previous answer: we will analyze the content, use information architecture to take that content and present it thru the best platform, then let design guide how it appears. No question in my mind that there will be digital modes of presentation for all information, but there will always be – at least in the near future – a platform in print as well. Don’t forget the role of mobile phones, by the way.

In modern journalism, the writing of an article does not end with its publication. The subsequent conversation and discussion is a vital part of it, but current design solution do not have much to offer. What are your ideas and suggetions for improvement?

This is already happening in digital media; interactivity is a top priority for users who wish to interact with editors and with other readers; it is more difficult to do this in print, but major titles around the world are developing blog summaries and readers’ pages in print to bring in this need of the user to interact. Every newspaper should have, at least once a week, a blog summary page, what the top topics are, and what the readers are contributing through online, from photos to stories, to comments.

Many people seem surprised how popular it is to read the news or even whole books on mobile phones. What’s your reaction?

I am not surprised at all, because I am 62 and I am inseparable from my iPhone and sometimes I read parts of the Sunday New York Times on the phone, and I like it – although for me, nothing takes the place of the printed copy in my hand, but I adapt and I read where I can. That is the way the world moves. One cannot stop this.

Probably an intentional switch between your iPhone and the printed issue of the New York Times could be part of the storytelling concept …

Yes, could be. But when I read the Times in my iPhone, is when I am in some remote place in the world where I have no access to the printed version.

What do “citizen journalism”, crowdsourced content creation and open data APIs mean for digital newspaper and magazine design?

It means what it is already: we have seen with events like the landing of the jet on the Hudson River, or the death of Michael Jackson, that users who have the right technology do participate in the news gathering process. They relay text messages about what they see, or move videos and photos through their phones. Another reality that we need to embrace, not be afraid of and use as well as we can.

On one hand it means more and very heterogenous sources, but it also leads to a whole different pace. Doesn’t this speed and dynamics also endanger the craftsmanship of well designed information? Should we – as several blog posts already suggest – get used to those ugly looking species such as “Google Fast Flip” or “Google Wave” as parts of a new face of news design?

I guess we have to get used to that, because as with everything digital, there is no going back. This is here to stay, and, indeed, will be intensified. But one can use crowdsourcing as a first step in receiving the information, then the professionals can retool it, reedit, and present in a way that is not ugly, disorganized or amateurish. I see journalists’ role doing this more and more often.

If a picture is worth a 1000 words, an infographic or interactive data visualization is worth … ?

Infographics are not as strong as photos, since they have to be studied, which takes a few seconds more. Photos and videos do convey the meaning of the story on the spot.

What do you think about the data visualization and visual storytelling work by the New York Times? Do you think other publications are going to step into their shoes?

Indeed, this is the way to go, but the New york Times has a large, well trained staff of people who can do these things. For the rest, this is a goal, but quite a distant one at the moment.

German Magazine de:bug has a special feature on Augmented Reality in their December Issue (138) and makes the assumption that “the actual future of print media is the interconnection of Augmented Reality and Paper”. Several publications are experimenting with it already – Esquire, Popular Science and now COLORS Magazine. The technological bandwidth is between added graphical codes within the content or even more advanced: image recognition. What’s your take on digitally augmented paper?

I have been reading up on Augmented Reality and I am quite fascinated by it. It is pure science fiction, although I know it is really happening, and many universities have made tremendous progress in making this come true. Just the idea of this next step, a sort of fusion between virtual reality, which creates immersive, computer-generated environments, and the real world in which we live and consume information, augmented reality is closer to the real world. Augmented reality adds graphics, sounds, haptic feedback and smell to the natural world as it exists.

To think that we may be reading a story about food – tapas, for example – and really smell what the writers talk about (or taste the wine)? I know that mobile phones are driving a lot of this technology (look at the iPhone) and I am perplexed and amazed (like a child) by it all. Remember, I am 62 years old.

Now about newspapers, and putting stories within the palm of our hand, and making all the other senses come alive, not just vision – if this is the future, I want to live another 40 years to enjoy it.

One question remains: what will happen to imagination? Will too much reality be harmful? Just wondering. Remember, you asked me!

The logical consequence of DIY could be establishing a product based on your own research and experimentation and making it accessible for the rest of the world. This is how the monome 40h, an “open instrument” from Philadelphia has come to life a while ago. Instead of protecting it with patents and hiding it behind marketing facades, all decisions and processes are documented and even constructional drawings are available to the public. As the past few years have proven, this is a great starting point for an ever growing community of musicians, designers and programmers.

The basic concept of the monome 40h is as simple as a 8×8 grid of backlit buttons. Did you first sketch and develop it on paper, as software or directly as a hardware prototype?

Upon creating my first performance sequencers with max/msp it became apparent that the amazing flexibility offered by this environment would always be limited by the means of getting data in and out of the system. In the most simple terms, i wanted to be able to click ten places simultaneously while finely adjusting other continuous parameters. Secondarily i wanted to avoid staring at a computer screen.

The absolutely most important element of these grid devices is that input (the keypads) and output (led feedback) are decoupled– the computer listens for keypresses and sends out led data. It allows for infinite adaptability and a very intuitive and responsive interface. This was immediately apparent the first time i got the prototype 16×16 working with mlr (an elaborate sample-cutting patch that displays playback position). A completely new level of performance and exploration became possible.

Brian Crabtree & Kelly Cain

I know you have very ethical motives in your business model‚ such as only using components from local suppliers etc. Does this mean a lot of extra time and effort for you and how does it behave in relation to your creative concepts?

We (Kelli and i) were reluctant to enter the world of business, which we perceived to be uncompromisingly driven by profit (for the most part we were not incorrect). The form that monome has taken is a direct reflection of our values: economic and ecological sustainability with an emphasis on supporting domestic production and labor.

Using local suppliers hasn’t been difficult for us. If anything it’s made communication easier and as a result we’ve managed to keep high quality standards in place. Transportation is faster and cheaper. We’ve been able to easily tour facilities and know first hand we’re not supporting questionable labor or environmental practices. While being potentially more expensive, we see the tradeoffs of cheaper parts made in mysterious ways in facilities unknown as both unacceptable and irresponsible.

The design and manufacturing decisions reflect our creative methods directly in that they highly emphasize process. the final product is only one element– the numerous small choices and extensive research along the way establish real knowledge. we are always learning.

This business model is still quite unique in the music gear industry. Do you believe it will become more popular among many other people starting their own little companies to develop special gear for special demands?

With regard to open source being adopted by large companies, i’d say that’s a virtual impossibility. If such a company designed an open-ended, user-modifiable product that was built well enough to last for decades, that company wouldn’t have repeat customers. They’d certainly have a loyal following, but there’s no money there.

I’m hoping that the approach monome has taken inspires more individuals to do the same. Sharing information and encouraging exploration has shown only positive results. The cultural reward makes up for the occasional financial strain. We stay small, live within our means, and try our best to spend money on things we actually support. (If only we could determine how our tax dollars were spent!)

Do you think conditions to create your own electronic music instrument, to maybe even start a small but effective enough business out of it, has changed/become better during the past couple of years? And how do you think things will move on within the next few years? How could these conditions be actively advanced?

Making anything in general is easier than ever. Sharing knowledge, methods, and skills has increased dramatically over the last few years. Making a business, i’d judge, is also easier as the internet allows collaboration and product exposure in ways previously impossible or prohibitively expensive. The means exist. People simply need a good idea and the ambition to see it through.

I’m uncertain where things will be in the next years. I’m definitely hoping that designers take matters into their own hands (start their own small companies) and avoid some of the ruining effects of big business’ inherent bureaucracy.

There are millions of electronic music controllers on the market. Regardless, many users seem to be unable to find a setup that is “just right” for them. Naturally, there’s no perfection, but do you think the model of developing modular open source software or hardware for yourself or for a constrained and specific target audience has the potential to become a serious counterbalance to the current industry? Or has it arrived there already?

Monome 40h – taken apart …

I believe it’s certainly already arrived, and has been around for some time. Those who seek customization eventually find solutions (undoubtedly after using tons of commercial equipment).

This is not a market that is easy to commodify or mass-produce, as once there are ten thousand of something, it surely loses its appeal. There are only so many fancy knob boxes you can truly get excited about. More and more people may find themselves delving to lower levels, learning basic electronics, microcontrollers, or some programming environment. These tools are not music industry specific of course.

With this trend should be considered two things: first, spending all of your time designing tools means you’re probably not making as much music or art; secondly there will always be a demand for specialized and inventive devices. Those who discover their inventive potential will hopefully supply inspirational tools to those who choose to keep their focus on music or art. DIY will never be all-encompassing, nor should it be. Many tools don’t need to be re-invented.

Have you ever thought about the possibility of some “big” manufacturer stealing your ideas, incorporating them into their own products and selling them with another name? Or did this even happen to you?

it seems remarkably unlikely as there’s not a profitable incentive. We believe the intellectual property system is broken. Our best protection is our openness. We’re also quite confident in the build quality of our devices.

Similar products on the market (and upcoming) we don’t see as being absolutely derivative, and they really missed the main point. It’s not just about blinky buttons.

How hard or easy do you think it is for technically unexperienced musicians to develop their own musical interface prototype (assumed they have ideas, obviously)?

You’re basically talking about crossing realms of knowledge. I’d imagine it’d be as difficult for an electrical engineer to write some music? There are so many tools and resources now for both writing music and making interfaces that neither is insurmountable.

That said, making something versus making something great are worlds apart and require serious dedication.

The fastest way to a “custom controller” is probably by using Doepfer Pocket Electronics Kit. uCApps is a complete open-source modular MIDI system and more.

There’s quite a vivid community around monome and everything is very well documented. You, as the “manufacturer”, provide all necessary plans, the logic board and many of the components needed to build your own monome-inspired piece of hardware. What was the most barefaced request that was posted towards you in that context? Could you please build a tilt sensor into my 40h for free?

A great majority of discussion has been very positive. The primary misunderstanding that we encounter is a tragic lack of perspective for how much a device cost to produce and how much personal time we invest in the process. Our market economy has conditioned us to expect low prices for everything, even when these low prices come at a high cost to the domestic labor force and increasingly high US trade deficit. We also are accustomed to things having short lifespans. We often don’t hold companies accountable when things break or when they’re made so cheaply – obviously engineered for obsolescence. Some barely flinch when buying the same object the second or third time around. (Some cell phones come to mind).

Monome is clearly trying not to follow these practices by choosing not to overproduce. We try to meet demand without over-saturating the market. Short runs make sense to us. Our designs will hopefully survive and retain value. All of the inner-workings are publicly available so that in the case of trouble you can fix it yourself or find someone with the right skills who can. It’s an infinite warranty of sorts.

monome 40h

I own a 40h and started using it for music production and live performances. Although it is in a way the most generic (or call it maybe “open”) piece of equipment I use, I can feel a noncomparable inheritance of “the monome idea” in every result. What do you think about that? Are many people telling you that?

I’m hoping “the monome idea” is that the device imposes no specific usage. There exists an unfortunate reality that buying a device is synonymous with buying a particular flourish or trick (like adding a lens flare in photoshop to your wildlife photo). “The monome idea”, i’m hoping, is the equivalent of exploring numerous possibilities while learning a bit more, adapting the device to your needs, and sharing your experience with others.

I’m certainly impressed with the monome user base and their continual support and invention. It keeps me very optimistic.

Did the monome concept in some way (re)(re)(re)refine your personal way to consider interface? Or your music production? Or your perception of music in general?

Absolutely. Now it’s time for us to start making art and music and film again. After we finish up the new series of devices, of course.

Eine logische Konsequenz von DIY kann sein, aus Ergebnissen des eigenen Forschens und Experimentierens ein Produkt zu etablieren und anderen zugänglich zu machen. Auf diese Weise entstand das erste von monome aus Philadelphia vermarktete “Open Instrument” mit dem Namen 40h. Anstatt das Produkt hinter einer Marketing-Fassade zu verstecken und mit Patenten zu schützen, wurden alle Entscheidungen und Entwicklungsprozesse transparent dokumentiert und Baupläne sowie Bauteile als Basis eigener (Weiter-)entwicklungen der Community zugänglich gemacht.

Das Konzept der monome 40h ist simpel: ein Raster von 8×8 beleuchteten Tastern. Habt ihr es zunächst auf dem Papier skizziert und entwickelt, oder als Software oder sofort als Hardware-Prototyp?

Als ich meine ersten Performance-Sequenzer mit max/msp entwickelte wurde deutlich, dass die erstaunliche Flexibilität dieser Umgebung immer begrenzt sein würde durch die Mittel, Daten in das System oder aus dem System heraus zu bekommen. Ganz einfach gesagt: ich wollte dazu fähig sein, 10 Stellen gleichzeitig zu klicken und währendessen stufenlose Parameter fein zu regeln. Desweiteren wollte ich vermeiden, auf einen Computer-Bildschirm zu starren.

Der absolut wichtigste Aspekt dieser Raster-basierten Geräte ist, daß der Input (die Taster) und der Output (das LED-Feedback) unabhängig voneinander sind. Der Computer reagiert auf Tastendruck und sendet LED-Daten. Es erlaubt eine unendliche Anpassbarkeit und ein sehr intuitives und reagierendes Interface. Dies zeigte sich sofort beim ersten 16×16-Prototypen in Kombination mit “mlr”, einer ausgeklügelten Sample-Cutting-Software, die die Abspielposition anzeigt. Eine völlig neue Ebene von Performance und Erkundung wurde möglich.

Brian Crabtree & Kelly Cain

Ich weiß, daß ihr sehr moralische Motive habt bei dem was ihr tut. So kommen soweit möglich z.B. nur Bauteile von lokalen Anbietern zum Einsatz. Bedeutet das sehr viel extra Zeiteinsatz und Mehraufwand für euch und wie verhält sich das in Relation zu euren kreativen Konzepten?

Wir waren abgeneigt, Teil der Geschäftswelt zu werden, die wir als kompromisslos Profit-getrieben wahrgenommen haben (in den meisten Bereichen hatten wir nicht unrecht). Die Form die monome angenommen hat ist ein direktes Spiegelbild unserer Werte: wirtschaftliche und ökologische Nachhaltigkeit mit Betonung auf der Unterstützung heimischer Produktion und Arbeitskräfte.

Es war nicht schwierig für uns, auf lokale Lieferanten zu setzen. Es hat eher die Kommunikation erleichtert und letztendlich ist es uns dadurch gelungen, hohe Qualitätsstandards zu bewahren. Transport ist schneller und günstiger. Wir konnten sehr bequem die Produktionsstätten besuchen und wussten aus erster Hand, daß wir keine fragwürdigen Methoden in Sachen Arbeitsumstände und Umwelt unterstützen. Es ist möglicherweise teurer, aber wir halten die Kompromisse, die man eingehen muß für billigere, auf mysteriöse Weise in unbekannten Einrichtungen hergestellte Bausteine, für inakzeptabel und unverantwortlich.

Die Entscheidungen in Sachen Design und Herstellung spiegeln unsere kreativen Methoden wider, indem sie sehr stark den Prozess betonen. Das Endprodukt ist nur ein Element. Die unzähligen kleinen Entscheidungen und ausführliche Recherche nebenbei schaffen wahres Wissen. Man lernt nie aus.

Euer Business-Modell ist recht einzigartig in der Landschaft der Musikgeräte-Hersteller. Glaubt ihr, euer Ansatz kann ein Vorbild werden für andere, ihre eigenen kleinen Unternehmen zu gründen, um spezielle Geräte für spezielle Anforderungen zu entwickeln?

Wir betrachten es als eigentlich unmöglich für große Firmen, das “Open Source”-Prinzip für sich zu übernehmen. Wenn solch eine Firma ein erweiterbares und vom Benutzer modifizierbares Produkt schaffen würde, das für eine Nutzung über mehrere Jahrzehnte ausgelegt ist, hätte sie keine wiederkehrenden Kunden. Sie hätten ganz bestimmt loyale Anhänger, aber damit verdient man kein Geld.

Ich hoffe, daß der von uns gewählte Ansatz mehr Personen dazu inspiriert, dasselbe zu tun. Das zur Verfügungstellen von Information und ermutigende Erforschung haben sich nur positiv ausgewirkt. Die kulturelle Belohnung gleicht die gelegentlichen finanziellen Lücken aus. Wir bleiben klein, leben mit unseren Mitteln und versuchen unser bestes, Geld für das auszugeben, was wir wirklich unterstützen wollen (wenn wir nur bestimmen könnten, was mit unseren Steuergeldern getan wird!).

Glaubt ihr die Bedingungen, sein eigenes elektronisches Musikinstrument zu entwickeln und daraus sogar ein kleines und ausreichend effektives Business zu etablieren, haben sich verändert bzw. verbessert im Laufe der vergangenen Jahre? Und wie denkt ihr, daß sich die Dinge in den nächsten Jahren entwickeln werden? Wie können diese Bedingungen aktiv verbessert werden?

Es ist generell einfacher geworden, etwas eigenes zu entwickeln. Die Verbreitung und der Austausch von Wissen, Methoden und Fähigkeiten hat in den vergangenen Jahren drastisch zugenommen. Ein eigenes Business zu starten ist meiner Ansicht nach auch einfacher, da das Internet sowohl Zusammenarbeit als auch Produktpräsentation in einer Weise ermöglicht, die früher undenkbar oder maßlos teuer gewesen wäre. Die Mittel existieren. Menschen brauchen nur eine gute Idee und den Ehrgeiz, sie durchzuziehen.

Ich bin unsicher, wohin sich die Dinge in den nächsten Jahren entwickeln werden. Ich hoffe sehr, daß Designer die Sache selbst in die Hand nehmen (also ihre eigenen kleinen Firmen gründen) und einige der zerstörerischen Effekte der Bürokratie vermeiden, die dem “Big Business” innewohnt.

Es gibt Millionen von Musik-Controllern auf dem Markt. Trotzdem scheinen zahlreiche Benutzer nicht in der Lage zu sein ein für sie funktionierendes Setup zu finden. Natürlich ist nichts perfekt, aber denkst du das Modell, modulare “Open Source” Software oder Hardware für sich selbst und für eine eingeschränkte, spezielle Zielgruppe zu entwickeln hat das Potential, ein ernstzunehmendes Gegengewicht zur bestehenden Industrie zu bilden? Oder ist es schon soweit?

Monome 40h – zerlegt …

Ich glaube es ist bestimmt schon seit einer ganzen Weile soweit. Diejenigen, die Maßanfertigung suchen, werden letztendlich Lösungen finden (zweifellos nach der Nutzung von Tonnen von kommerziellem Equipment).

Dies ist kein Markt, in dem es nicht leicht ist zu kommerzialisieren oder Massenproduktion zu betreiben, denn sobald es Zehntausende von etwas gibt, verliert es mit Sicherheit seinen Reiz. Es gibt mehr als genug fancy Kisten mit Drehreglern, die einen wirklich begeistern können. Immer mehr Leute werden sich wohl mit einer elementareren ebene beschäftigen und Basics der Elektrotechnik, Micro-Controllers oder eine Programmierumgebung lernen. Diese Werkzeuge sind natürlich nicht der Musikindustrie vorbehalten.

Bei diesem Trend sollten zwei Dinge betrachtet werden: 1. Wenn man all seine Zeit damit verbringt, eigene Tools zu entwickeln, wird man möglicherweise nicht soviel Musik oder Kunst produzieren; 2. es wird immer eine Nachfrage nach spezialisierten und originellen Instrumenten geben. Diejenigen, die ihr Erfinderpotenzial in sich entdecken, werden hoffentlich diejenigen mit inspirierenden Tools versorgen, die sich entschieden haben, ihren Fokus auf die Musik und Kunst zu richten. DIY wird nie allumfassend sein und sollte es auch nicht. Viele Tools müssen nicht neu erfunden werden.

Habt ihr einmal über die Möglichkeit nachgedacht, daß einer der “Großen” eure Ideen klaut, diese in eigene Produkte einfliessen lässt und unter anderem Namen verkauft? Oder ist euch das schon passiert?

Das scheint eher unwahrscheinlich, denn es ist nicht sehr profitversprechend. Wir glauben, daß das Urheberrecht-System beschädigt ist. Unser bester Schutz ist unsere Offenheit. Wir haben außerdem ein hohes Vertrauen in die Qualität der Ausführung unserer Geräte.

Ähnliche Produkte auf dem Markt (und noch kommende) betrachten wir nicht als absolut abgeleitet, und sie verfehlen wirklich das Wesentliche. Es geht nicht nur um blinkende Taster.

Wie schwierig oder einfach ist es eurer Meinung nach für technisch unerfahrene Musiker, ihren eigenen Prototypen eines Musik-Interfaces zu entwicklen (natürlich vorausgesetzt, sie haben eine Idee!)?

Du sprichst im Prinzip darüber, unterschiedliche Kenntnisbereiche zu kreuzen. Ich kann mir vorstellen, daß es für einen Elektroingenieur genauso schwierig wäre, Musik zu schreiben. Es gibt heute so viele Werkzeuge und Resourcen sowohl um Musik zu schreiben als auch um Interfaces zu bauen, daß keines von beidem unüberwindbar ist. Abgesehen davon, zwischen “etwas machen” und “etwas großartiges machen” liegen Welten, mit denen man sich ernsthaft beschäftigen sollte.

Der schnellste Weg zu einem “selbstgebastelten” Controller ist wahrscheinlich das Doepfer Pocket Electronics Kit. uCApps ist ein umfangreiches modulares MIDI system (und mehr) auf Open-Source-Basis.

Es existiert eine sehr lebendige Community rund um monome und alles ist sehr gut dokumentiert. Ihr, als der Hersteller, stellt alle notwendigen Baupläne, die Steuer-Platine und einige der notwendigen Komponenten zur Verfügung die man benötigt, um seine eigene monome-inspirierte Hardware zu bauen. Was war die unverschämteste Anfrage, die in diesem Kontext an euch gerichtet wurde? Könnt ihr mir bitte kostenlos einen Bewegungs-Sensor in meine monome 40h einbauen?

Der Großteil der Diskussionen war bisher sehr positiv. Das Hauptmissverständnis dem wir begegnen ist ein deutlicher Mangel an Einsicht dafür, was die Herstellung eines Geräts kostet und wieviel persönliche Zeit wir in den Prozess investieren. Unsere Marktwirtschaft hat dazu geführt, dass wir für alles billige Preise erwarten, selbst wenn diese der heimischen Arbeitskraft teuer zu stehen kommen und zum steigenden US-Handelsdefizit beiträgt. Wir haben uns an Dinge mit kurzer Lebensdauer gewöhnt. Wir weisen oft nicht den Unternehmen die Verantwortung zu, wenn Dinge kaputtgehen oder wenn sie so billig hergestellt sind – offensichtlich entwickelt zur Veralterung. Manche schrecken kaum davor zurück, wenn sie dasselbe Produkt zum zweiten oder dritten Mal kaufen (einige Mobiltelefone kommen einem in den Sinn).

Wir versuchen eindeutig, diese Praktiken zu vermeiden indem wir nicht überproduzieren. Wir versuchen die Nachfrage zu befriedigen, ohne den Markt zu übersättigen. Kurze Wege ergeben Sinn für uns. Unsere Designs werden hoffentlich überleben und Wert bewahren. Alle Bestandteile sind öffentlich erhältlich, sodaß man im Schadensfall selbst reparieren kann oder jemanden finden kann, der die Fähigkeiten dazu hat. Es ist eine Art von unbegrenzter Garantie.

monome 40h

Ich besitze eine monome 40h und habe damit begonnen, sie für Musikproduktion und Live-Auftritte einzusetzen. Obwohl sie eigentlich der generischste Hardware (oder nenne es “offen”) ist die ich benutze, kann ich eine gewisse Präsenz der “monome Idee” in allen Ergebnissen spüren. Was denkt ihr darüber? Erzählen euch das viele?

Ich hoffe die “monome Idee” ist, daß das Gerät keinen spezifischen Einsatz aufdrängt. Es gibt den unglücklichen Umstand, daß ein Gerät zu kaufen bedeutet, synonym dafür ist, ein bestimmtes Erfolgerlebnis oder einen bestimmten Trick zu erstehen (wie das Hinzufügen eines Blendeneffekts mit Photoshop). Die “monome idea”, das hoffe ich, ist gleichbedeutend mit der Erforschung unzähliger Möglichkeiten, gleichzeitig dazuzulernen, das Gerät seinen Bedürfnissen anzupassen und Erfahrungen mit anderen auszutauschen.

Ich bin zweifellos beeindruckt von der monome-Nutzerschaft und deren fortwährende Unterstützung und Fantasie. Das stimmt mich sehr optimistisch.

Hat das monome-Konzept in irgendeiner Weise euer eigenes Verständnis von Interface verfeinert? Oder eure Musikproduktion? Oder eure grundsätzliche Wahrnehmung von Musik?

Absolut. Jetzt ist es an der Zeit für uns, uns wieder mehr mit Musik, Kunst und Film zu beschäftigen. Nachdem wir mit unserer neuen Serie fertig sind natürlich.

An der Fachhochschule Potsdam fand vor wenigen Monaten im Rahmen des Interfacedesign-Studiengangs ein Workshop mit dem Titel “Musical Interfaces” statt. Studenten verschiedener Semester wurden dazu aufgerufen, eigene Konzepte für musikalische Interaktionen zu entwickeln und als Prototypen umzusetzen. Dabei entstand eine Reihe spannender Projekte – wie etwa “MouthPieces”, eine Installation mehrerer unterschiedlicher Sensoren, die man mit dem Mund bedient. Ferner “Articulated Paint”, bei dem die Rolle des Körpers beim Musikmachen durch das Malen mit einem Pinsel aufgezeigt werden soll oder “MC Hammer”, von einem Software-Sequencer gesteuerte Motoren, die Rhythmen auf beliebigen Oberflächen klopfen.

Ihr habt neulich einen Kurs mit dem Titel “Musical Interfaces” erfolgreich abgeschlossen und präsentiert. Wie seid ihr eigentlich auf die Idee zu diesem Thema gekommen?

Das Thema “Musical Interfaces” war mitte der Neunziger ziemlich angesagt. Ich habe damals am Royal College of Art studiert, meine Tutoren haben an Instrumenten für Laurie Anderson gearbeitet und auch unter den Studenten gab es eine Reihe von Experimenten. Ich habe damals mit zwei Kollegen das Soundprojekt Revamp gemacht, das ich hin und wieder auch zeige. Alt, aber vielleicht auch interessant in diesem Zusammenhang.

Das Thema war dann anfang des Jahrhunderts ziemlich durch und keiner hat mehr was in die Richtung gemacht. Wir dachten uns also, daß man es “wiederbeleben” könnte.

Das Thema “Interakion mit Musikinstrumenten” ist ein breites Feld mit einer recht langen und vielseitigen Geschichte. Was war bei euch der Fokus, bzw. wie seid ihr bei euer konkreten Aufgabenstellung vorgegangen? Was waren die Vorgaben oder eine Art “Leitlinie” in der Orchestrierung der verschiedenen Ansätze und Teilnehmer?

Wir hatten zwei Leitideen: eine technische und eine konzeptionelle. Zur technischen: ganz banal – in den lezten 10 Jahren ist ja doch einiges passiert. Es ist heutzutage sehr viel einfacher, Prototypen zu realisieren, die schon fast an das fertige Produkt rankommen. Man kann also anhand von Entwürfen Interaktionen direkt ausprobieren. Der Prozeß war viel explorativer – was funktioniert, was nicht – was klingt gut, was nicht.

Zur konzeptionellen Leitlinie: es ging uns immer im Körperlichkeit. Musik ist im Erzeugen und im Erleben ein genuin körperlicher Vorgang. Daß man bei der Erzeugung von digitaler Musik auf eine Computermaus angewiesen sein soll stellt also eine enorme Reduktion dar. Der Körper sollte also beim musizieren im Vordergrund stehen und es sollten Möglichkeiten entwickelt werden, die Ausdrucksformen des Körpers zu Musik zu übersetzen. Und gut klingen sollte es auch. :)

Anderes Beispiel: die Violine würde heute keine User-Tests bestehen. Zu schwer zu erlernen, eingeschränkter Funktionsumfang, klingt erst komisch. Aber: was für ein Potential für Virtuosentum! Heute ist es genau umgekehrt. Alles ist einfach zu erlernen, hat viele Funktionen und klingt sofort toll. Aber Virtuosen wird man nicht finden.

Das Beispiel mit der Violine ist sehr gut. Aber müsste man nicht eher sagen “Virtuosen wird man wenige finden”? Vielleicht ist in vielen Fällen durch sehr einfach zu erreichende Erfolgserlebnisse wenig Ansporn da, Virtuosität zu erlangen. Aber heutige Produkte können ja durchaus auch zur Umdeutung oder Zweckentfremdung verleiten. Ich bilde mir ein, schon ein paar Virtuosen an elektronischen Musikinstrumenten erlebt zu haben …

Prof. Boris Müller

Ja – Virtuosität ist natürlich nicht unmöglich. Aber der Trend geht in eine andere Richtung. Übrigens gilt das für die ganze Interface-Design-Branche. Manchmal denke ich, daß der Anspruch, daß alles intuitiv und ohne Lernkurve bedienbar sein muß, grundsätzlich falsch ist. Aber das sprengt ein wenig den Rahmen…

Aber kurz gesagt: Du hast recht – “wenige” trifft es besser. “Keine” ist aber polemischer. :)

Einige der Projekte haben Möglichkeiten zur Kollaboration anskizziert, was im Kontext neuer, netzwerkfähiger Übertragungsprotokolle wie OSC sehr zeitgemäß ist. War das gesteuerte Intention oder hat sich einfach so ergeben?

Das Kollaborative war durchaus gewollt. Musizieren war immer etwas, das man in Gruppen getan hat. Von Barockensemble, Symphonieorchester bis hin zur Jazz- und Popband. Ich denke daß gerade hier in Zukunft sehr spannende Entwicklungen im Markt zu erwarten sind.

Aber ob Orchester oder Popband, es gibt meistens die Aufteilung in “Künstler” und “Rezipient”. Habt ihr auch über neue Potenziale und Formen der “Gruppierung” nachgedacht?

Ja, das sind aber auch grundsätzlich keine neuen Ideen (Cage etc). Ich persönlich finde die “Ensemble-Idee” reizvoller als das Publikum einzubinden.

Mir ist bewusst, dass es bei eurem Kurs nicht um die Entwicklung marktreifer Produkte, sondern um einen offenen und experimentellen Umgang mit der Thematik ging. Dennoch: wie nah oder fern der kommerziellen Realität schätzt ihr die Ergebnisse oder einige der Ergebnisse ein?

Ganz unterschiedlich. Kein Projekt ist “marktreif”, ich glaube aber, daß wir eine Reihe von Trends aufgezeigt und entwickelt haben.

… und weiterentwickeln werden? Wird es anknüpfende oder zumindest thematisch ähnliche Kurse geben?

In Potsdam haben wir einen Thesis-Orintierten Master. Man kann also über drei Semester ein Thema selbstbestimmt vertiefen. In diesem Rahmen wird es bestimmt noch weitere Vertiefungen geben.

Articulated Paint

Was mich an den Ergebnissen am stärksten faszinierte war das Level der Ausarbeitung der Prototypen: die Studenten, die man von außen betrachtet eher einem Gestaltungskontext zuordnen würde, scheinen sich mit Platinen, Lötkolben, Sensoren und der Programmierung von Schaltungen und Schnittstellen angefreundet zu haben. Wie muß man sich diese Heranführung vorstellen?

Ich weiß – das überrascht. Aber eigentlich ist es ganz in der Traditionslinie der Kunst- und Designausbildung. Für jeden kreativ Arbeitenden gilt, daß man sich mit dem Material auskennen muß, mit dem man arbeitet. Ein Bildhauer muß sich mit Marmor, Bronze und Ton auskennen, ein Typograf mit Drucktechniken – und wir eben mit Programmiersprachen und Elektronischen Schaltungen. Unser Ansatz ist aber durchweg pragmatisch. Uns interessiert nicht das Ohmsche Gesetz sondern wie man Dinge baut, mit denen Menschen interagieren können. Ziel ist es, Interaktionen erfahrbar zu machen.

Gab es bereits Affinitäten und Vorkenntnisse oder standen ausschließlich im Rahmen des Kurses erlernte Fertigkeiten und Wissen in Kombination mit z.B. verfügbarer Onlinedokumentation zur Verfügung?

Verkabelte Platine

Ja, die meisten Studenten hatten schon die Grundlagenkurse für Programmierung und für “Physical Computing” besucht. Wir haben außerdem mit unserer Kommunikationsplattform Incom eine sehr gute Wissensressource.

Seit relativ kurzer Zeit erscheinen Leuchtturm-artig einige spannende neue Interface-Ansätze jenseits von Klaviatur und Fader auf dem Musikmarkt (z.B. Tenori-On, monome, Korg KP3, Lemur). Nichtsdestotrotz bewegen sich die wirklich spannenden Projekte oft eher auf dem Gebiet der experimentellen Kunst. So wurde das Tenori-On vor ca. zwei Jahren eher als eine Art Recherche-Projekt des japanischen Medienkünstlers Toshio Iwai bekannt, bevor es dann einige Zeit später auf der “SoundsExp07″-Messe in England als ein mögliches kommerzielles Produkt von Yamaha angekündigt wurde. Was denkt ihr: kann man das als Durchbruch bezeichnen und wir werden diese Art von Transfer in naher Zukunft öfter erleben? War die Zeit oder der Markt in jüngster Vergangenheit einfach noch nicht reif für innovative Interfaces?

Gute Frage! Ich könnte jetzt ganz platt sagen: der Markt reguliert sich selbst. Und wenn es auf dem Markt nicht funktioniert, dann war es wohl keine gute Idee.

Das ist aber natürlich nicht die ganze Wahrheit. Ich denke daß die Produkte oft noch zu teuer sind, schlechte Interfaces haben und ihre Zielgruppe nicht finden. Gerade letzteres halte ich für einen wichtigen Punkt! Was wäre wenn man mit dem iPod nicht nur Musik hören sondern auch welche machen könnte? Wie werden die Pop-Bands der Zukunft aussehen? Wie wird man zusammen Musik machen? Und wer macht Musik?

Ich würde sagen, daß die Zeit noch nicht reif ist – sowas kann aber erfahrungsgemäß sehr schnell gehen! Musik als User-Generated Content vielleicht?

Ich bin im Moment etwas überrumpelt von der Dynamik, die diesem Thema plötzlich innewohnt. Sehr viele Nutzer scheinen sich nach neuartigen Produkten zu sehnen. Man findet im Netz immer mehr “DIY-Musikinterfaces” – ganz nach dem reißerisch formulierten Motto “wenn ihr uns die Produkte nicht gebt, bauen wir sie uns eben selber!”. Wie bewertet ihr das Potential des “Selbermachens” z.B. auf Basis ausführlich dokumentierter und zum Teil sehr kostengünstiger offener Plattformen in diesem Zusammenhang?

Sehr, sehr hoch! Wenn es so einfach wie Lego wird, sich seine Instrumente zusammenzustöpseln, dann wird dies die Musikszene verändern. Insbesondere Live-Auftritte schreien ja förmlich nach mehr Performance. Es stellt sich nur die Frage: bietet man speziefische oder unspeziefische Interface-Bausteine an? Spezifische sind an eine bestimmte Klangvorstellung gekoppelt (z.B. Vibrato), unspezifische ermöglichen einem bestimmte Gesten durchzuführen und die Gesten einer Klangveränderung zuzuordnen.

Es gibt aber nicht nur die Open-Source-Umgebungen, die zu DIY beflügeln. So ist zur Zeit eine Art Hype rund um die Zweckentfremdung der Nintendo Wii Remote zur Musiksteuerung zu beobachten. Längst ist ein von einem Nutzer programmierter Treiber zum Runterladen verfügbar, der den Touchscreen der Nintendo DS per WLAN zum MIDI-Controller werden lässt. Wie schätzt ihr die Möglichkeiten einerseits von Touchscreen-Technlologien, andererseits von körperbetonter Bewegungs-Sensorik à la Wii für Musikinstrumente ein?

Mir fehlt oft die Verbindung zu einer bestimmten Klangvorstellung. Wir sollten nicht vergessen: ein guter Pianist vergisst das Klavier! Dieser Punkt ist auch mein Hauptkritikpunkt an der ganzen Szene (und auch an enigen Studentenarbeiten). Oft geht es nur darum, technische Konzepte zu realisieren, das Klangerlebnis ist sekundär. Mich faszinieren in diesem Zusammenhang Komponisten wie Karlheinz Stockhausen, die immer eine musikalische Idee hatten und die Technik nur genutzt haben, um diese musikalische Idee zu verwirklichen. Diesen Prozess würde ich gern weiterverfolgen. Dazu braucht man aber nicht nur Interface-Designer sondern eben richtig gute Musiker.

Also “richtig gute Musiker”, die nebenbei auch Interface-Designer sind, oder als “Testpersonen” oder Ressource? Man könnte hier auch von “Kenntnis des Materials, mit dem man arbeitet” sprechen …

Im User-Centred-Design-Process: eindeutig “Testpersonen”. Man muß als Designer immer davon ausgehen, daß Experten mehr über das zu gestaltende Objekt wissen als man selbst. Diese Experten können aber meistens nicht entwerfen. Daher muß man in einen interativen Designprozeß einsteigen: Entwurf – Korrektur / Diskussion – neuer Entwurf – neue Korrektur… etc.

Vielen Dank für das Interview!